Avec son affichage dynamique de vêtements, de photographies et de croquis à l'aquarelle, l'exposition de 2013 Stephen Burrows: When Fashion Danced , au Musée de la ville de New York, a été à la hauteur de son nom et représentait un excellent exemple de la mode comme art de la performance. Des mannequins à la pose cinétique, vêtus du style incomparable de Burrows - une palette époustouflante, des motifs aux couleurs bloquées et des ourlets flottants aux bords de laitue - évoquaient les mouvements de danse énergiques de la scène des clubs des années 1970. L'effet était autant de performance que d'installation, et lors de l'ouverture étoilée, le mannequin emblématique Iman a exprimé sa pure joie que les réalisations de Burrows dans la mode soient célébrées dans un musée.
Les vêtements, autrefois considérés comme des artefacts culturels ou des exemples d'artisanat, sont passés au centre des expositions de musée lorsque Diana Vreeland a lancé la tendance. En 1972, l'ancien rédacteur en chef des magazines Vogue et Harper's Bazaar a pris les rênes du Metropolitan Museum of Art (le Met's) Costume Institute de New York. Ses expositions spectaculaires - conçues avec tout le flair d'une séance photo sur papier glacé - ont transformé une collection auxiliaire en une attraction de premier plan, attirant des foules sans précédent ainsi que des dons de couture moderne et contemporaine de généreux mécènes, des offres qui ont transformé les collections historiques. Sous la direction de Vreeland, l'attrait populaire de la mode a revigoré la notion instable de costume historique.
Au cours de la dernière décennie, des expositions comme les «Liaisons dangereuses» du Met (2004), une installation de vêtements extravagants du XVIIIe siècle dans les salles d'époque françaises, ont rehaussé le statut et la visibilité des vêtements dans les collections des musées. De plus, en 2011, la rétrospective de mode «Alexander McQueen: Savage Beauty» a battu les records de fréquentation du Met pour une exposition de mode à son Institut du Costume et a redéfini la mode en termes de beaux-arts. Un nombre sans précédent d'expositions en 2013 incluait des vêtements - à la fois historiques et à la mode - faisant partie du concept clé. Le Met était l'un des trois musées à monter «Impressionnisme, mode et modernité», qui présentait des vêtements authentiques installés à côté de peintures pour célébrer le rôle de la mode à la fin du XIXe siècle en France, et le Met mettait en scène «Punk: Chaos to Couture,»Une exploration du punk en tant que phénomène culturel qui brouille la frontière entre les arts, la vie de rue, le style de vie et la mode. Un autre spectacle était «Les apparences peuvent être trompeuses: les robes de Frida Kahlo», à la Casa Azul (anciennement la maison du peintre à Mexico), dans laquelle sa garde-robe peu orthodoxe était présentée dans le cadre de sa pratique artistique.
Une étreinte correspondante de la mode a été observée dans l'art contemporain. L'artiste belge Isabelle de Borchgrave s'est inspirée des portraits de maîtres de la Renaissance tels que Botticelli et Bronzino ainsi que des créations de couture classiques de Mariano Fortuny et Christian Dior pour ses superbes sculptures de vêtements à grande échelle; chaque élément - décoratif ou structurel - a été méticuleusement rendu sur papier. Les combinaisons intégrales de Chicagoan Nick Cave ont fusionné la mascarade avec la sculpture portable. Le médium préféré de l'artiste anglo-nigérian Yinka Shonibare était le tissu batik double face fabriqué par la société néerlandaise Vlisco, à partir duquel il fabriquait des vêtements d'inspiration historique. Le tissu Vlisco a été créé pour la première fois en 1846 comme une alternative manufacturée à la technique à forte intensité de main-d'œuvre du batik de cire indonésien. Il a ensuite été commercialisé en Afrique occidentale et centrale,où il est devenu populaire parmi l'élite locale. Shonibare décrit le tissu comme «croisé», et la complexité de ses origines ajoute un poids symbolique ainsi que de la beauté à ses tableaux provocateurs.
Chez les jeunes artistes américains, la mode a fourni plus que l'inspiration ou l'iconographie; en termes d'identité et d'esthétique, il faisait partie intégrante de leur art. Pour habiller des sculptures aussi douces que This Yellow Shell (2013) et Soul Elsewhere(2013), Shinique Smith, basée à Brooklyn, a manipulé des T-shirts, des jeans et des baskets. L'étrange mutation de vêtements familiers augmentait la puissante force vitale de ses formes courbes. Kehinde Wiley s'est inspiré de peintures européennes renommées, mais comme on le voit dans les huit portraits de son exposition de 2013 «Memling», il a remplacé les saints et bourgeois flamands magnifiquement vêtus de Hans Memling par de jeunes hommes afro-américains habillés dans le style urbain agressif du hip-hop et Culture de rue de New York. Delano Brown avait tellement incorporé la mode dans son art qu'il a peint des motifs floraux sur des robes portées par des modèles vivants lors de son exposition à la Smart Clothes Gallery dans le Lower East Side de Manhattan. Brown a déclaré que sa méthode - performance partielle et production partielle - rendait l'art accessible, notant que contrairement à une «toile à 50 000 $,"Un vêtement" est quelque chose que tout le monde comprend. "
Dans la critique de Holland Cotter sur «White Petals Surround Your Yellow Heart» - une exposition collective de 2013 (organisée à l'Institut d'art contemporain de Philadelphie) qui explorait le principe selon lequel «vous portez ce que vous êtes» - il a salué le fait que la mode comme art »était devenue« désordonnée et déroutante ». Parce que les frontières qui divisaient autrefois la mode et l'art étaient devenues totalement perméables, les créateurs de mode sont devenus de plus en plus pertinents en tant que présence dans le monde de l'art. Par exemple, le créateur de mode Karl Lagerfeld, qui avait acquis une réputation de photographe expérimenté, a monté en 2013 une exposition de «Fire Etchings», des images murales rétroéclairées gravées au feu sur verre, dans la Galerie Gmurzynska à Saint-Moritz, en Suisse . Toujours en 2013, le créateur d'accessoires Reed Krakoff a reçu un prix du Whitney Museum of American Art. Pour marquer l'événement, il a enrôlé plusieurs artistes,notamment le sculpteur et graveur Kiki Smith et le photographe Nan Goldin, pour l'aider à créer des versions personnalisées de son populaire sac fourre-tout Reed Krakoff Track; les sacs ont été exposés lors de la cérémonie de remise des prix, puis mis en vente dans la boutique de cadeaux.
Pas plus tard qu'en 2007, les créations de Damien Hirst pour Levi's et de Takashi Murakami pour Louis Vuitton (présentées dans une boutique de cadeaux incorporées dans une rétrospective de son travail au Museum of Contemporary Art de Los Angeles) ont suscité un débat critique passionné sur la relation entre les beaux-arts et la consommation. . En 2013, cependant, ces produits conçus par des artistes n'étaient pas seulement recherchés par les consommateurs, mais également examinés par la critique. De plus, les commandes des produits - et la publicité qu'elles généraient - étaient très recherchées par les artistes. Les artistes de rue Retna, Aiko et l'équipe des frères jumeaux Os Gemeos ont créé des motifs graffitis pour les luxueux foulards et étoles en soie de Louis Vuitton. La ligne de vêtements pour hommes automne-hiver de Vuitton présentait un ensemble de la tête aux pieds conçu par les Chapman Brothers (Jake et Dinos).Leur motif «Garden in Hell» comportait un tissu à motifs de branches, de fleurs et d'animaux stylisés sur un fond rouge sang inspiré de l'appartement de Vreeland à Manhattan. La maison de couture Alexander McQueen a fait appel à Hirst pour créer une nouvelle édition de l'écharpe crâne du défunt créateur pour célébrer le 10e anniversaire de l'introduction de la ligne d'écharpe McQueen; Hirst a recréé les insectes, les papillons et les araignées séduisants de sa propre série Entomology 2009 en tant qu'accoutrements rampants sur les crânes emblématiques de McQueen.Hirst a recréé les insectes, les papillons et les araignées séduisants de sa propre série Entomology 2009 en tant qu'accoutrements rampants sur les crânes emblématiques de McQueen.Hirst a recréé les insectes, les papillons et les araignées séduisants de sa propre série Entomology 2009 en tant qu'accoutrements rampants sur les crânes emblématiques de McQueen.
Les créateurs se sont longtemps tournés vers les arts pour s'inspirer, notamment comme on le voit dans la robe à blocs de couleurs Mondrian d'Yves Saint Laurent (1965) et sa ligne Pop art (1966), qui présentait des appliques graphiques de cœurs et de visages. McQueen a transporté le studio sur le podium lors de son défilé printemps-été 1999 lorsqu'il a évoqué deux robots de pulvérisation de peinture pour transformer le n ° 13, une robe en mousseline sans bretelles portée par le mannequin Shalom Harlow alors qu'elle tournait sur une plaque tournante, en noir et jaune peinture abstraite. Dans les collections de l'automne 2013, plusieurs designers ont rendu un hommage distinctif au lexique de l'histoire de l'art: Maria Grazia Chiuri et Pier Paolo Piccioli ont revu les silhouettes et les tissus de luxe du portrait flamand en prêt-à-porter pour Valentino. L'art byzantin adapté des mosaïques situées dans la ville de Ravenne, en Italie, a honoré les ensembles de Dolce & Gabanna,qui étaient accessoirisées de petites couronnes dorées. Le designer Raf Simons a pris l'artiste Andy Warhol comme muse pour concevoir des motifs graphiques ludiques pour Dior. Cependant, c'est Viktor & Rolf qui a parfaitement fusionné design et performance. Ils sont revenus à leurs racines dans la couture pour leur défilé du 20e anniversaire à Paris, créant des vêtements enveloppants en opulente laine noire mate. Chaque mannequin a lentement marché sur la piste, s'est arrêtée et s'est abaissée au sol dans une pose qui a transformé son corps habillé en sculpture. Les tableaux collectifs à couper le souffle - évoquant les formes simples mais émouvantes de roches délibérément disposées dans un jardin de méditation zen - ont mis fin à la question lancinante des frontières entre l'art et la mode. En rejetant la différence entre l'art conceptuel et le design de mode, Viktor & Rolf a redéfini la mode comme un art de la performance.
